オネゲルが映画の世界に入ったのは、劇的オラトリオ「ダヴィデ王」(1921)の成功で作曲家としての名声を手に入れて間もなくの、1922年のことだった。
　この年、彼は偉大な映画監督アベル・ガンスと出会った。
　映画監督アベル・ガンスはフランス映画の父の一人で、1915年『潜望鏡 （展望鏡）』から1943年『フラカッス船長』に至るまで革新的な映画作りを続ける。
　アベル・ガンスが『鉄路の白薔薇』のアイデアを得たのは、妻イダ・デニス (Ida Denis) が結核と診断されたその日だった。
　1922年を製作に費やし、映画はプロローグと６つのエピソードから成る10,730m、上映時間８時間32分という超長尺ものとして完成した。しかしあまりにも長すぎるため、一般公開用に、プロローグと４エピソードから構成される9,200mの上映時間５時間ちょっとのヴァージョンに短縮され、1923年２月17日に公開された。
　それでも長いため、ガンスは編集を続けた。32巻、２時間半の再編集版 (4200m) が完成したのは1924年の４月９日だったが、その数時間前、妻デニスは亡くなっていた。

　オネゲルは『鉄路の白薔薇』の仕事を「習作」と述べているが、実際にそれは試行錯誤の連続だったろう。
　そのスコアで唯一残っているのは、中規模オーケストラのための４分ほどの序曲だけである。残りは想像に委ねるほかないが、おそらくはオネゲル自身の作品と既成クラシック音楽の混在したスコアを作ったのだろう。そこには当時彼がパテのニュース映画(Pathe-Journal)のために書いた音楽も転用されたと思われる。
　自筆譜には全てのキュー（場面に応じた音楽断片）に、映画の場面に関連したタイトルが付けられている。

「エルサン (Hersan) −蒸気機関車 (Locomotive) −シジフ (Sisif) −ノルマ (Norma) −機関車 (Locomotive) −円盤 (Le disque) −信号 (Signal) −線路（未完成スケッチ） (Rail) −車輪 (Roues) −台詞 (Les textes) 」

という具合である。

　『鉄路の白薔薇』プレミア上映でオネゲル自身がスコアを振ったかどうかは定かでない。しかし、シネピュピトル(Cin pupitre)がフランスに紹介された折り、音楽と映画を同期させる装置はカール・ロバート・ブルム(Carl Robert Blum)のリトモノーム(Rhytmonome)に似ていたことが分かっている。

　序曲はいくつかの部分からなる。
　重々しい序奏に続き、ファゴットとクラリネットが絡む穏やかな楽想が続く。
　推移部を経て、低弦の律動でファゴットが呑気な歌を歌う部分となるが、すぐに加速し、重い緊迫した高潮の中、メイン・テーマの一つが提示される。
　うって変わって、クラリネットとフルートが新鮮で叙情的な主題を提示するが、これはのちに、『ナポレオン』組曲の最初の曲でも使用される。
　後半では翌年の「パシフィック２３１」(1923)で使われることになる蒸気機関の主題と律動モティーフが現れる。
　まずリズミックな主題が６小節奏されるが、これは「パシフィック２３１」でクライマックスを築く主題の原型である。
　次の12小節はオーケストレーションが未完成なまま残されているが、機関車の音を模倣した描写的表現の部分である。この音型も「パシフィック２３１」最初の部分で利用されている。
　この序曲をマルコ・ポーロ・レーベルに録音した音楽家アドリアーノは、アルテュール・オエレの承認を得て、前半６小節から後半への移行のための１小節を加えている。

　オネゲルは翌年1923年、この映画の音楽を素材にして「パシフィック２３１」という優れた管弦楽曲を仕上げた。曲名は前輪軸２本、動輪軸３本、後輪軸１本のパシフィック型蒸気機関車を意味し（日本の「Ｄ５１」のような型式番号）、機関車が疾走するダイナミズムを音で描いた傑作である。オネゲルの作品の中では最も親しみやすいこの力作、６分程度の短い曲なので、ぜひ聴いて頂きたい。

　ナポレオンの少年時代からイタリア遠征での勝利までを描くサイレント映画の超大作 （1926年製作）。

　これはアベル・ガンス監督の最高傑作であるだけでなく、無声映画史に燦然と輝く記念碑的作品である。
　映画は６部構成、上映に12時間かかるという長大な叙事詩である。
　製作には４年を要し(1923-27)、最初のエピソードだけで約1700万フランの莫大な製作費が投じられた。
　製作陣にも当時のフランス映画界の総力が結集された。
　助監督にはすでに名声を得ていたアレクサンドル・ヴォルコフ、ヴィクトル・トゥルヤンスキー、アンリ・クロースが抜擢された。
　撮影には『鉄路の白薔薇』以来の名カメラマン、レオンス=アンリ・ビュレルの他、1930年代に活躍するジュール・クルージェ、ロジェ・ユベールが集められた。
　出演は、主演のナポレオンに舞台俳優・小説家のアルベール・デュードネ、その妻ジョゼフィーヌに1930年代の大スター、ジナ・マネスが扮した。マラーにはシュルレアリスムの詩人アントナン（アントワーヌ？）・アルトー、悲劇の王妃マリー・アントワネットには、その名を冠した女優賞が残された大女優シュザンヌ・ビアンケッティ、そしてガンス自身がサン・ジュストに扮した。その他にもアレクサンドル・クービッキー、アナベラ、ダミア、ピエール・バチェフ他が出演した。

　映画は、ナポレオンの幼少期−−学校の雪合戦のリーダーとして活躍−−から、イタリア侵略軍の司令官として任命されるまでを扱っている。アジャッチオ (Ajaccio) での誕生、トゥーロンでの戦い、革命のパリなどが描かれる。ナポレオンのヨゼフィーネの恋の喜劇的・詩的な詳細な描写があり、やがて三画面で表示されるイタリア遠征の大団円へと導かれる。
　カメラは伝統的機能を離れ、ドラマの一員となった。いくつかの場面ではカメラは馬の背に載せられ、またあるシーンでは揺れるクレーンに取り付けられたカメラで撮影された。
　また、上映は「ポリヴィジョン (Polyvision) 」または「トリプル・エクラン」と呼ばれる３台の映写機を利用したシネマスコープ方式で行われた。これは、「ナポレオンの個性の三つの側面---即ち、�@ 肉体、�A 心、�B 感情を表現するなら３連画面がよい」というガンスの考えによる。３スクリーン上映は観客を大画面で圧倒し、シネマスコープの先駆となった。時にはそれらのスクリーンがさらに分割され、全体と細部が同時に写されて効果を上げた。最後の場面では３画面がフランス国旗の３色に色付けされている。

　オネゲルは、この大作にふさわしい充実した音楽を書いた。しかもそれは必要以上の重厚さを避けた、新古典的とも言えるスリムで経済的な、すっきりした表現の、実に効果的なスコアだった。
　しかし、ガンスの絶え間ない編集と再編集はオネゲルを激怒させた。最後には彼はピットから去り、指揮は有能なJ. E. Szyferの手に任された。
　映画のプレミア公開は1927年４月７日、パリのオペラ・コミック座で行われた。最後の皇帝の演説は、観客の中に位置した役者が画面に合わせて喋った。交響管弦楽団が丸ごと雇われ、４時間の上映の間演奏した。
　この初演の時に用いられたオリジナルのキュー・シートを再構成することは、もはや不可能である。しかしその音楽はオネゲルのオリジナル音楽に加えて、オネゲルの他の分野の作品、あるいは他の既成クラシック音楽、現代の音楽、それにポピュラー音楽や伝統音楽などから構成されていたと思われる。

　この映画の音楽に対する批評は、意外に冷たいものであった。1927年当時のパリの評論家は、スコアを「雑音」と呼んだのである。
　当時の映画音楽が置かれていた状況---即ち、シンクロナイゼーションの技術的な難しさや、映画音楽に二次的な重要性しか与えられなかった点、さらに、当時の映画音楽の目的が、映写機の騒音を押さえたり、映画館のよどんだ空気を少しでも改善するためだったこと等を考慮すれば、長時間の音楽にうんざりした観客の消極的反応も理解し得る。

　公開後、オネゲルはこの映画のスコアを８曲から成る管弦楽組曲 (Suite d'orchestre) に編んだ。
　その手書きスコアは、「栄光の乞食」の完全版を除いて全て作曲者の自筆譜である。
　自筆譜にも印刷譜にも誤りや省略があり、双方矛盾した点も少なくない。オネゲルの自筆譜もパリの初演で用いられたものかどうか定かではないが、以下の解説ではそれに従う。
　

1. 平穏 (Calme)……落ち着いた抒情的小品で、元来はパテのニュース映画(Pathe-Journal)用音楽のストックの中にあったものと推測される。中間部では『鉄路の白薔薇』序曲の中の叙情パッセージが引用される。

2. ヴィオリーンのロマンス (La Romance de Violine)……応接室での一幕。

3. 子供たちの踊り (Dance des enfants)……人形劇バレー「真実と虚偽(Vérité-Mensonge)」(1920)からの転用で、素朴な楽しさをひととき味合わせてくれる。

4. 間奏曲と終曲 (Interlude et Final)……フランス革命歌「Ca ira」と「La Carmagnole」が巧みに引用され、交響的発展を形作る。おそらく巻と巻の合間の休憩で演奏されたのだろう。

5. 皇后のシャコンヌ (Chaconne de l'Imperatrice)……シャコンヌ主題は大変に伸びやか且つ繊細であり、皇后の気品に満ちた美しさを表現して余りある。

6. ナポレオン (Napoléon)……ファンファーレが響き、ナポレオンの偉容を彷彿とさせる勇壮な楽想が繰り広げられる。

7. 暗闇 (Les ombres)……弦に奏される８小節の神秘的なオスティナートの上に、４つの変奏が繰り広げられるシャコンヌである。前曲「ナポレオン」で聴かれた輝かしいファンファーレが空虚な音型になって引用される。当時の映画音楽でこのようなメタリックな表現が聴かれたことは注目して良い。

8. 栄光の乞食 (Les Mendiants de la Glorie)……ナポレオン軍のイタリア進軍で大団円を迎える場面の音楽。フランス国歌「ラ・マルセイエーズ」と、メユール(1763〜1817)の「出陣の歌」(1794)を対位法的に組み合わせたものだが、オネゲルは大雑把なオーケストレーションを記した下書きだけ書いて、後は人に任せてしまったらしい。自筆譜以外に現存する楽譜は、写符屋か編曲者による誤りの多い完成譜と、サラベール社の出版譜だけだが、の三つがあるが、いずれもオネゲルの典型的な楽器法を示していない。

　『ナポレオン』が1927年に公開された時、すでにトーキーが広まりつつあった。この映画はヒットには至らず、製作費を回収することもできなかった。７年後の1934年、ガンスは音を付けて再公開した（音楽はオネゲル）が、忘却の彼方に沈んでゆくことを止めることは出来なかった。

　しかし、最近になってようやくこの大作の真価が認められるようになった。
　1979年、ケヴィン・ブラウンロウ(Kevin Brownlow)は、23年かかって仕上げた版で『ナポレオン』をコロラドでリヴァイヴァル上映した。この５時間13分もかかるヴァージョンは、ガンスの製作意図に最も近いものと言え、電子ピアノの音楽伴奏が付いていた。
　1980年にはロンドンのエンパイア劇場で、カール・デイヴィスによるクラシック音楽を編曲した新しい管弦楽スコアの伴奏で上映された。
　1981年にはアメリカで、フランシス・フォード・コッポラがわずかに短縮したヴァージョンが、カーマイン・コッポラのスコアと共に上映された。しかし、音楽・映画通の間では、のちにレコード化されたカーマイン・コッポラの音楽より、カール・デイヴィスのスコア（同じくレコードで聴ける）の方が効果的でガンスの意図と調和していると言われる。

　1934年に完成されたこの映画は、それぞれ90分ずつの３つのエピソードからなる。
　第１部「ジャン・バルヂャン」、第２部「コゼットの恋」、第３部「青年マリウス」である。
　映画は1934年３月にフランスで公開された。
　のちに監督は縮めて一つにまとめたが、その際オネゲルの音楽も一部カットされた。

　オネゲルの自筆譜には23のキューが含まれていた。オネゲルはミクロス・ローザの勧めでこれを交響組曲 H.88A に編曲した。作曲者自身、これを「第１」組曲と呼んでいるので、映画のための残りの音楽からさらなる組曲を作る気でいたのだろう。
　組曲は写譜担当者用の版で残っているのみである。これはおそらく作曲者の指示で作られたものだろう。楽器編成はサキソフォーン、ピアノ、ハープ、打楽器などを含むが、コントラバスは除かれている。

1. メイン・タイトル (Générique)（約９分）……陰鬱なメイン・タイトルに、「路上のジャン・バルジャン(Jean Valjean sur la route)」というキューを追加したもの。但し「路上のジャン・バルジャン」の最後の６小節は１小節フレーズに置き換えられている。

2. 下水道の中で (Dans le Égouts)（約６分）……短縮版映画からはカットされた音楽。

3. ジルノルマン邸の音楽 (Musique chez Gillenormand)（約２分）……食事時のサロン・ミュージックと思われ、これも短縮版ではカットされている。

4. ジャン・バルジャンの死 (Mort de Jean Valjean)（約２分）……ハリー・ボー(Harry Baur)演じるジャン・バルジャン老人の感動的な死を伴奏する音楽。10小節の抒情句を除き、代わりにチェロのピッツィカートとハープによる簡素な２小節に置き換えられている。

5. 暴動 (L'Émeute)（約２分半）……切迫したコーダでは、それ以前に使われたキュー「ジャン・バルジャンの逃亡(Fuite de Jean Valjean)」をつなげて拡張されている。

　これは、映画音楽としても、また純粋に音楽としても、大変に画期的なスコアである。
　まず第一に、これはアニメーション映画のための音楽である。アニメの音楽としては、恐らく最初期の部類だろう。
　次に、1928年に一般公開されたばかりの電気楽器オンド・マルトノが使われている。オンド・マルトノを使用した映画音楽は、恐らくこれが最初であろう。映画のスコアだけでなく、音楽作品にオンド・マルトノが使われた最初の例の一つでもある。オネゲル自身、この映画や『罪と罰』(1934) で試した後、劇的オラトリオ「火刑台上のジャンヌ・ダルク」 (1934-35) のような演奏会用作品に用いている。

　さて、オネゲルはアニメ映画の音楽をこれともう一本、『カリスト<未>』 (1943) のために書いているが、この『理念』の方はアニメと言っても、一風変わった実験的作品である。
　ジャン・ルノワールなどの監督と一緒に仕事をしていた特技監督にベルトルト・バルトーシュ (Bertold Bartosch) という人物がいた。彼は、ベルギーの表現主義の画家フランス・マズレエル (Frans Masereel, 1889-1972) の木版画をアニメ化した。
　マズレエルは徹底した反戦主義者・反ブルジョワ主義者で、その木版画にも弱者抑圧に対する強烈な批判が込められている。
　映画では、マズレエルの木版画83枚をもとに、木版画に刻まれた裸の女性が、戦争やあらゆる抑圧に抵抗する不滅の自由という"理念"のシンボルとして、様々な冒険を繰り広げる。

　この画面にオネゲルが付けた音楽が、大変優れている。
　スコアは、オンド・マルトノ、ピアノ、フルート、クラリネット、アルト・サキソフォン、ファゴット、トランペット、トロンボーン、打楽器（２人）と弦楽四重奏の計14人の奏者のために書かれている。
　スコアは25分の長さで、画面の"理念 （イデー）"に対応する主題が、イデーの冒険に合わせて変化するという構成で、見聞きするものを飽きさせない。
　序奏に続いてオンド・マルトノ独奏で39小節の長きに渡って提示される"イデー・フィクス （固定楽想）"が、映画の"イデー"に対応するライトモティーフである。瞑想的で美しい主題である。オンド・マルトノの音色の魅力を十分に生かし切っている。
　ピアノのスタッカートに乗ってファゴットが登場し、展開が始まる。オンド・マルトノはグリッサンドで密やかに絡む。弦が加わり、速度が増すと、緊迫したトレモロが続くが、すぐにトランペットとトロンボーンの葬送行進曲になる。ファゴットの悲しい節に、独奏ヴァイオリンはイデーの変形で絡みつく。
　今度はジャズの律動に乗り、サックスとミュートしたトランペットがミヨーのバレー音楽「世界の創造」を彷彿とさせるダンスを踊り出すが、長くは続かず、足取りは再び重々しくなる。
　葬送行進曲風の部分が終わると、管楽器がスタッカートで何やら陰険な音型を点描し始める。オンド・マルトノは不安げに顔を上げる。"ジャズ"部分が唐突に再現され、別のオスティナートを挟みつつ、次第にテンポが上がってくる。
　緊迫が頂点に達すると、トランペットが軍歌調の行進曲を悲愴に吹く。並行してオスティナートが悲劇的に盛り上がる。
　唐突に静まり、弦楽四重奏によるエモーショナルな音楽が流れる。トランペットが夕陽を背景に讃歌を奏でるようにイデーを吹くと、クラリネットを中心にやや滑稽な行進となる。すぐにトランペットとトロンボーンによる鈍重なタンゴとなり、穏やかな曲調に移行して、オンド・マルトノのイデーが復帰する。こうして平和で穏やかな、美しい終結を迎える。

　1935年、舞踊家 Esa Darciel はブリュッセルでこの『理念』をバレー化し、オネゲルとサティの音楽を使って踊ったことが記録されているが、使用されたオネゲルの音楽というのが、この映画のスコアだったかどうかは残念ながら明らかでない。

　これはオネゲルの最も長大で最もエキサイティングなスコアの一つである。

　1930年、世界の最高峰ヒマラヤ連峰への初登頂が成功すると、さっそく記録映画『神々の玉座(Thron der Götter)』が作られるなど、映画界でも話題になった。
　ドイツ映画界も、ギュンター・オスカル・ディレンフルト(Günter Oskar Dyrenfurth)教授の世界第３の高峰カンチェンジュンガへの登攀を再現するスペクタクルな映画の製作に入った。ディレンフルト教授は監督アンドリュー・マートン(Andrew Marton)と組んで、虚実取り混ぜたドラマティックな山の映画を撮ろうと考えた。1934年の登頂のメンバーは映画俳優として契約し、俳優グスタフ・ディースル(Gustav Diessl)は登山家として契約した。室内場面は後でベルリンのグルーファ(Grufa)・スタジオで撮影された。
　あらすじはこうである。---民族学者ノルマンは山の悪魔カリ・マータ(Kali Mata)の仮面に取り憑かれる。この精霊は普通の人間がティベットの神々の意志に反してヒマラヤに登るのを妨げていた。しかしノルマンはヴィレ教授（ディレンフルトその人が演じる）の登山隊に参加し、家に残された婚約者アンナは仮面を粉々に砕くことでその呪文を破る。もう一人の女性、教授の妻エレンは登山隊をWhite Deadから護る。恐ろしい嵐（その場面のいくつかは後でスイスのユングフラウ峰で撮られた）と悪魔の登場の後、ノルマンは倒れ、ラマユルの仏教寺院で目覚める。そこで彼は仲間が勝ち誇って「黄金の玉座」に到達している幻を見る。

　この映画のスコア第１部「吹雪」では、オネゲルは極めて興味深い実験を行った。
　スコアには、自筆譜と、写譜担当者が作成した楽譜の両方が残っているが、妙なことに、オネゲルの手稿の「吹雪」の楽章には参照番号が逆さまの順序で付けられており、打楽器パートでは空白箇所からスラーが始まっている。
　さらに不思議なことに、写譜された楽譜では、オネゲルの自筆譜が逆から （つまり終わりから始めに向かって） 書かれている。
　どういうことか？
　どうもオネゲルは、普通に録音したテープを、サウンドトラックでは逆回転で編集再生しようと考えていたらしいのである。
　実際、オネゲルはこの手法を『霧笛(Rapt)』(1934)で既に試みている。
　但し、録音逆転のアイデアは製作途中で浮かんだアイデアだと思われる。なぜなら、写譜された反進行モード（恐らくオリジナル・サウンドトラックを指揮したレオン・ボシャール(Leon Borchard)が写譜したのだろう）では、ライトモティーフを金管が演奏する際、３連符の前打音をうまく演奏できないからである。
　いずれにせよ、このような大管弦楽を用いた音楽が逆再生されたら、とてつもない耳障りな雑音を生んだであろう。当時の幼稚な録音技術を考えればなおさらである。

　スコアの楽器編成は、サキソフォン２、トラウトニウム （ドイツ版オンド・マルトノと言うべき電子楽器） 、ピアノ、ハープ、打楽器、それに歌詞のない女声合唱を要する。ホルンの代わりにサキソフォンが入っているのは、並行して書かれた「火刑台上のジャンヌ・ダルク」と同じである。
　サウンドトラック録音はボシャール指揮ベルリン・フィルハーモニー管弦楽団の演奏で行われた。

1. 吹雪 (Tempête de neige)（約12分）……273小節、ヘ短調。緊迫した弦のトレモロと木管の半音動機で始まり、減５度音程の並行和音などを繰り返して、次第に緊張を高めてゆく。各モティーフはだんだん短縮され、切迫してゆく。

2. 登山と落下−−幻 (Ascension et chute - Vision)（約10分）……223小節。導入に続いて低音弦に登山を示すニ短調の付点リズムのパッサカリア風主題 （マーラーの交響曲第２番「復活」第１楽章第１主題を思わせる） が現れ、フーガの要領で展開される。が、すぐに吹雪で中断される。登山の主題が戻るが、導入楽想を扱いながら緊張を高めてゆく。トラウトニウム（オンド・マルトノ）が効果を出す。「吹雪」のモティーフも再現される。その頂点でトラウトニウムは低音から高音へ一気にグリッサンドして駆け上がり、遂に悪魔が姿を現す。一瞬の緊迫した沈黙の後、トラウトニウムはフォルティッシモ・マルカーティッシモ（最も強く、最も行進曲風に）のカデンツァで頂上から一気に下降するし（「崩落」）、最後に「閃光」によって見えなくなり、管弦楽は一気に７オクターヴの下降を演じる。
   　間もなく曲は「幻」の部分へ入り、管弦楽と合唱が神々しい効果を出す。やがて曲は登山の動機を用いた宗教的な讃歌に達する。曲はニ長調のミクソリディア旋法で晴朗な終結を迎える。

　これは間違いなく当時の最高の映画音楽の一つであった。
　マートンは後にハリウッドに渡り、第２ユニット監督を務める （『ベン・ハー』や『史上最大の作戦』のアクション・シーンの演出で有名） が、その時『ヒマラヤの悪魔』(1935)の余ったリールをフランク・キャプラ監督に売った。キャプラはそれを『失はれた地平線』(1937)で用いた。
　1951年にはコロムビア映画がマートンに『ヒマラヤの悪魔』を焼き直した『ティベットの嵐<未> (Storm over Tibet)』 ［別名『ヒマラヤの仮面(Mask of the Himalaya)』］ を作らせた。音楽もオネゲルのものが使われ、追加スコアはレイ・スティーヴンス(Leith Stevens) （ジョージ・パル監督『宇宙戦争』などアメリカのＳＦ映画の音楽で知られる） が書いた。

　残念ながら、『ヒマラヤの悪魔』も戦後のリメイク『ティベットの嵐』もフィルムが残っておらず、音楽がどのように使われたかは分からない。

　ドストエフスキーの原作をピエール・シュナールが脚色・監督したこの映画は、シュナールの名を一気に高めた名作である。
　台詞を小説家マルセル・エーメが担当し、若きピエール・ブランシャール (Pierre Blanchar) が原作から抜け出してきたような理想的な主人公ラスコリニコフを演じ、アリ・ボー (Harry Baur) がポルフィーリ、マデレーヌ・オゼレ (Madeleine Ozeray) がソニアを演じた。これら名優の熱演や、独特のカメラ・アングルで表現派風のスタイルを生み出したシュナールの演出、そしてオネゲルの近代的な音楽と相まって、公開当初から名画の誉れが高い。演技が今でも古びていないことは驚くべき事である。

　映画の内容の高さに伴って、オネゲルの仕事も充実したものとなっている。彼の映画音楽のベストの一つと考える人も少なくない。
　スコアは13の部分から成るが、６つのライトモティーフにより見事に統合されている。
　暗い雰囲気は『ああ無情』(1933)によく似ており、渋い中低音を強調した小編成で、ライトモティーフを積み重ねて緊張感を増していく手法も共通している。だが、オネゲルは『イデー （理念） <未>』 (1934) に引き続きオンド・マルトノを使用しており、それによって音色の変化が図られている。
　以下はアドリアーノがマルコ・ポーロ盤に録音した組曲に基づく。

1. メイン・タイトル (Générique)（約１分）……ここでは、いくつかの主題材料が提示される。　まず緊迫した上昇音型で幕が開き、主人公の学生ラスコリニコフの主題が苦行するような付点リズムの旋律で弦に現れる。続いてオンド・マルトノを使ったほの暗いテーマとなる。

2. ラスコリニコフとソニア (Raskolinikov - Sonia)（約３分）……不規則にシンコペートされたリズムを背景に、「ラスコリニコフの主題」がバス・クラリネットに暗く出され、オスティナート風に繰り返される。　やがてオーボエが切ない旋律線を描き始めると、オンド・マルトノがこれを受けて不思議な魅力に溢れた音色を聴かせる。憧れの人ソニアの主題である。「ラスコリニコフ」も、ここでは落ち着き、満足げである。……やがてラスコリニコフの主題を中心とした不安げな主部が戻る。

3. 犯罪への旅立ち (Départ pour le crime)（約５分）……オリジナル・スコア第８番。「ラスコリニコフ」の変形で開始され、時計が真夜中を伝えた後、メイン・タイトル冒頭の上昇音型による長いオスティナート （同一音型の繰り返し） が始まる。それは「罪の動機」とも呼ぶべきもので、殺人のシーンでも現れる。
   　緊迫の度が増し、上昇音型によるカノン風オスティナートとへ発展し、オーボエに「ラスコリニコフ」が奏される。やがて、オンド・マルトノも加えて「ラスコリニコフ」によるカノン風対位法が聴かれ、最高潮に盛り上がると、突然断ち切るように終わる。

4. エリザベトの殺害 (Meurtre d'Elisabeth)（約２分）……緊迫したムードで「罪」と「ラスコリニコフ」が現れる。断片的な音型が続く。

5. 夜の訪問／フィナーレ (Visite nocturne - Final)（約３分）……前半の「夜の訪問」（オリジナル・スコア第８番）では「罪」の動機が「ラスコリニコフ」にまとわりついて離れない。
   　「終曲」に至って曲調は明るさを取り戻し、オンド・マルトノの得も言われぬ叙情的な響きに導かれ、「メイン・タイトル」で聴かれたトランペットとオンド・マルトノの風変わりなデュオによる主題が再現され、穏やかな終わりとなる。

　1935年から1936年にかけて、オネゲルはアナトール・リトヴァク監督と仕事をした。
　ロシア生まれでオーストリアを経由してフランスにやってきたリトヴァクは、やがてハリウッドへ去ってゆくのでオネゲルとの仕事もたった２本しか残さなかったが、いずれも秀れたものである。
　『最後の戦闘機(L'Equipage)』(1935)では、フランスの監督が苦手としていた空中戦の場面で、迫力ある映像を見せた。だが、この映画に付けられたオネゲルのスコアは失われてしまった。
　従って、オネゲルのスコアが残されているリトヴァク映画は、翌年の『うたかたの戀』(1936)のみである。

　リトヴァク版『うたかたの戀』は、マックス・オフュルス (Max Ophüls) の映画ほどの成功は収められなかった。シャルル・ボワイエとダニエル・ダリュー (Danielle Darrieux) はミス・キャストだし、演出も納得の行かないものだった。

　オネゲルは映画のスコアから４曲から成る組曲を編み、エコー出版(Editions Echo)社から出版した。この出版社は一連の映画音楽のスコアを一般に普及しようという意図を持っていたようだが、残念ながら倒産した。
　組曲の各曲はすべてそれぞれのサウンドトラックに対応している。

1. メイン・タイトル (Generique)（約１分半）……重苦しい行進曲風のテーマで始まる。トランペットが不快な音型を絡み付かせ、オーストリア国家が低音に不協和に組み合わされる。続いてヨハン・シュトラウスのワルツ「酒、女、歌」がユーモラスに引用されるが、オリジナルのメイン・タイトルではラデツキー行進曲に粗暴に中断される。

2. 庭園 (Jardin)（約１分半）……清廉な小川が流れるような美しい、心洗われる音楽が聴かれる。中間では不安な音楽になる。

3. 辻馬車／廊下で (Le fiacre - Dans les couloirs)（約２分）……弱音トランペットに何やら陰険な主題が現れる。

4. ラスト・シーン (Scéne finale)（約６分）……メイン・タイトルのテーマが再現される。チェロにあの不快な音型が現れ、ヴァイオリンにも伝染する。

　1936年、クルト・ロンドンが名著『映画音楽』(1936)を出版するが、その中でオネゲルは、フランス現代映画音楽界の真の指導者と賞賛されている。
　代表作の劇的オラトリオ「火刑台上のジャンヌ・ダルク」が書かれたのも同じ頃で、オネゲルは最も脂がのっていた。
　この頃書かれた映画スコアが、『二番芽』である。

　ジャン・ジョノ(Jean Giono)の小説を原作とするマルセル・パニョル監督の注目すべき映画で、プロヴァンスとその住民への一種のオマージュである。
　オビニャン(Aubignane)の荒廃した村に、密猟者とキャバレーの踊り子が力を合わせて繁栄を取り戻す話である。パンテュール(Panturle)は踊り子を刃研ぎ職人ジェデミュ(Gédémus)のもとから連れ去る。彼は単純だが気はいい男で、踊り子が炭焼き職人たちの何人かに犯された時に救いだし、連れ帰っていた。彼のアルシュル(Arsule)への愛は彼の忍耐や正直な労働の推進力となっている。
　出演はフェルナンデル(Fernandel)、ガブリエル・ガブリオ(Gabriel Gabrio)、オラーヌ・ドマジ(Orane Demazis)。

　オネゲルの音楽は霊感に満ちており、他のどの彼の映画音楽よりも変化に富んでいる。
　手書き譜とサウンドトラックを比較すると、多くの曲が大胆にカットされたり用いられないだけでなく、もともと想定されたのと異なる場面に転用されているのもある。
　楽器編成で、アルト・サキソフォンが重要な役を果たしているのは、他のオネゲルの映画音楽と同じである。ピアノと打楽器の増強（スレイ・ベル、ガラガラ、小太鼓など）も同様だが、ホルンが欠如しているのは珍しい。

　オネゲルはこのスコアを２つの交響的組曲 H.117A に編曲した。
　組曲は出版されることはなかったが、フランスの出版社を通じてフォトコピーの形で使用可能だった。第２組曲は映画では種々にカットされた小品から成っている。

第１組曲
　英雄的なライトモティーフが随所に聴かれる。絵画的な季節の音楽や、村から村へ渡り歩く研ぎ師を性格付けるポルカなどが配されている。

1. パンテュール(Le Panturle)（約３分半）……メイン・タイトルの音楽で、大管弦楽で演奏される。英雄的なメイン・テーマが提示される。中間部は重い足取りを描くようなリズムになる。

2. 冬(Hiver)（約３分）……小室内管弦楽の編成で演奏される重く沈んだ音楽。メイン・テーマが差し挟まれる。

3. 春(Printemps)（約３分）……春の芽吹きを感じさせる音楽。

4. 研ぎ師ジェデミュ(Gédémus le rémouleur)（約１分）……小室内管弦楽の編成で演奏される。ユーモラスな音楽。

5. 二番芽の草(Regain)（約２分）……再び大管弦楽編成となり、メイン・タイトルと春の動機が再登場する。

第２組曲

1. 序奏／オービニャンの歌 (Introduction - Chanson d'Aubignane)（約２分半）……本来映画のメイン・タイトルとなるはずだったが、第１組曲の「パンテュール」と取り替えられた。序奏は3/4拍子。「オービニャンの歌」は6/8拍子の民謡風メロディーを基にしている。

2. 夜想曲 (Nocturne)（約４分半）……美しい夜想曲で、オネゲルは作曲家としてもオーケストレーターとしても、その最良の腕前を披露している。ファゴットの対旋律としてメイン・テーマが出る。

3. 納屋での夜／夏 (Nuit dans la grange - Eté)（約４分）……「納屋での夜」は、三枚目の刃物研ぎと謎の過去を持つ少女が、馬小屋で一晩一緒に過ごさざるを得なくなり、どちらもこの状況に困惑し、ばつの悪さを感じている、という場面。しかしオネゲルが書いた音楽は極めて半音階的で“現代的”。映画でボツになったのは道理だとしても、オネゲルが映画音楽で示した前衛的書法の優れた例と言える。小室内管弦楽の編成で演奏される。
   　前のキュー「夏」が続く。これは弦の7/8拍子のオスティナート音型のうえに建てられた流れるような静かな3/4拍子の音楽である。

4. 鍬の刃(Le soc)（約２分）……力強い音楽で、中間部は、最初の村祭りのシーンで用いられたメリー・ゴーラウンドの音楽に基づく。

　有名なフランス人飛行家ジャン・メルモ(Jean Mermoz)の伝記映画 (1942年)。
　スコアは、オネゲルの映画音楽の中でも最も輝かしく、最も大胆かつ実験的な作品の一つである。
　楽器法は、通常の管弦楽の他にピッコロ、サキソフォン、ピアノ、打楽器の増強を要求している。

　オネゲルはこの映画のスコアから２つの管弦楽組曲 H.167A を編曲した。これは映画の二つの主要なエピソードから主なキューを選び出し、それぞれを一つの楽章にまとめたものである。
　どちらにも英雄的なメイン・テーマが提示されるが、曲はその動機的な展開で発展するのではなく、変転する楽想をつないでゆくことで緊迫した雰囲気を維持する。
　両曲とも、その中間部でクライマックスを形成し、人間のヒロイズムと自然との闘争を描くが、「アンデス山脈横断」の暗雲と言い、「大西洋横断飛行」の嵐と言い、それらはオネゲル独特の個性的なイディオムで描かれており、「テンペスト」前奏曲 (1923) の即物主義的な粗暴な不協和音はもう姿を見せない。
　組曲の楽器編成は、サキソフォンを含む木管は一本ずつ、トランペットとトロンボーンは２本ずつ、それにピアノ、打楽器、弦という構成である。

1. 第１組曲「アンデス山脈横断 (La Traversee des Andes)」（約９分）……６つの連続した場面の音楽から形成される。
   　不協和音が鳴り響く前奏に続いて、燦然たる音楽が鳴り響き、眼下に広がる雄大な景色を思わせる。トランペットに鳴り響く英雄的なテーマはメルモの主題であり、カノンとして発展する。
   　中・低音弦のトリルがプロペラの回転音を模倣し、間もなく穏やかな飛行に移る。アンデスの山肌を眼下に、飛行機は快適に雲を切る。トランペットが高く仰ぎ見るような上行モティーフを示し、メルモの主題と交代でトロンボーンと呼び交わしつつ進行する。
   　やがて、雷雲に突っ込んだのであろう、ヴァイオリンに不快な半音階フレーズが現れ、金管もトレモロを奏し、シンバルの稲妻が何度もきらめく。木管の半音下降とヴァイオリンの気味の悪い音型が不安を高める。同じ音型がミニマリストのように繰り返される中、ピアノや金管が合いの手を入れる。ここを一種のスケルツォとみなす研究者もいる。
   　だがファンファーレに似た金管の信号音が沸き上がる。雲を脱したのだ。
   　再び視界が開け、雄大な空のテーマが再現される。

2. 第２組曲「大西洋横断飛行 (Le vol sur l'Atlantique)」（約９分）……この曲も、６つの場面 （シークエンス） のキューから構成されている。
   　印象主義的な出だしは爽やかで美しい。低音からわき上がるようなテーマは夜明けを示すのだろうか。第１組曲の英雄的テーマに基づく木管が、小鳥の朝のさえずりのように聞こえる。広大な青い空、どこまでも続く海原……
   　だが、第３シークエンスから空は黒く変わり、不吉な雷雲が航路に立ちはだかる。飛行機は嵐に突っ込み、メルモは再び自然の猛威と戦う。メルモは墜落する。
   　しかし、絢爛たる背景にメルモのテーマが輝かしく再現され、メルモの不滅の業績を讃える華々しいコーダ （終結部） へ入る。